Dietro il mito del formato IMAX 70mm, osannato dai grandi registi, si nasconde una realtà fatta di costi insostenibili, limitazioni creative per gli attori e un paradosso tecnologico che il marketing spesso ignora.
Di Orazio Garofalo
Il nuovo film di Christopher Nolan, The Odyssey, è alle porte. Come sempre, il formato IMAX 70mm viene presentato come l’evento visivo irripetibile. Ma è davvero così? È il momento di guardare oltre il marketing e chiederci cosa comporti, davvero, questa scelta tecnica sul set e in sala.
1. La tecnica: il 70mm non è superiore, è solo più complicato
Il mito del 70mm come formato “superiore” è tecnicamente traballante. Le moderne macchine da presa digitali (come la ARRI ALEXA 35 o la Sony Venice 2) offrono una fedeltà colorimetrica superiore, con una precisione matematica a 16 bit che supera il gamut della pellicola.
Il paradosso? Il 70mm viene quasi sempre scansionato da sensori digitali per la proiezione, perdendo la purezza del negativo. In un normale multisala, il vantaggio del 70mm si riduce a una morbidezza estetica che non giustifica la complessità tecnologica.
2. La follia logistica: costi insostenibili
Girare in 70mm è un’assurdità logistica:
- Peso: La cinepresa IMAX pesa oltre 100 kg, richiedendo gru e team dedicati.
- Costi: Ogni minuto di pellicola IMAX costa migliaia di dollari. Per Oppenheimer, Nolan ha speso oltre un milione di dollari solo in materiale grezzo.
- Il risultato: Nel 99% dei casi, il film finisce in un DCP 4K proiettato in una sala standard, rendendo lo sforzo colossale quanto usare un trattore per fare la spesa.
3. La sceneggiatura tecnica: un puzzle da 3 minuti
Il limite più devastante è la durata dei caricatori: 3 minuti. Questo obbliga i registi a frammentare la narrazione. Come mantenere la continuità emotiva se ogni 180 secondi la macchina deve fermarsi? La recitazione diventa un esercizio di cesello tecnico, sacrificando il flusso naturale dell’arte cinematografica.
4. L’impaccio sul set: emozioni congelate
Il cambio del rullo non è istantaneo. Gli attori, nel pieno di una performance drammatica, sono costretti a restare immobili per minuti, aspettando che il tecnico maneggi la delicata pellicola. Si perde la spontaneità: l’attore diventa un oggetto scenico, in attesa che la macchina si degni di funzionare.
5. Il rumore e la mortificazione della voce
Le macchine IMAX sono rumorose come aspirapolveri industriali. Nonostante il “blimp” (il rivestimento fonoassorbente) che porta il peso della camera a 136 kg, il rumore residuo compromette la presa diretta. Il risultato è la necessità di un doppiaggio in post-produzione (ADR), che spesso mortifica lo strumento più intimo dell’attore: la voce.
6. Il costo umano: attori ridotti a esecutori
Con un costo al secondo proibitivo, il lusso dei ciak multipli svanisce. L’attore deve essere perfetto al primo colpo, trasformando la recitazione in un esame di sopravvivenza piuttosto che in un processo di ricerca artistica. La rigidità imposta dalla tecnica schiaccia la verità emotiva della performance.
7. Il marketing del mito
Perché continuare a usare il 70mm? La risposta è commerciale. È un marchio di distinzione che alimenta il mito del “vero cinema”, giustificando il costo maggiorato del biglietto IMAX. Ma il pubblico deve sapere che, in una sala standard, la differenza con il digitale 4K è spesso impercettibile.
Conclusioni: il cinema è respiro, non pellicola
La difesa a oltranza del 70mm è una mistificazione. Il digitale libera il regista e l’attore, permette di sbagliare, di provare, di trovare la scena giusta al ventottesimo ciak. Il cinema non è fatto di chimica o di pixel, ma di sguardi, voci e respiri. E il 70mm, troppo spesso, preferisce la sua “follia tecnica” all’emozione pura.